HYPERVOID | OPEN STUDIO 2025

27/06/2025 admin 0 Bemerkungen
EVENT

HYPERVOID pushes artistic boundaries, combines disruption and transience and turns visitors into active participants.

HYPERVOID – A Group Exhibition on the Occasion of “48 h NK”

27.06. – 29.06.2025

Opening Friday 27.06.2025 19:00 h

HYPERVOID – Laboratory body of the present

HYPERVOID’s aesthetic practices continuously reconfigure perception, embracing disruption, transience, and active co-awareness.

What if the present is no longer the present, but a state of matter? What if material is no longer just substance, but the carrier of a consciousness – a consciousness in permanent drift? With HYPERVOID, Robert Lanz locates a state beyond linear concepts of time, beyond traditional notions of the body. The laboratory body of the present is a conceptual body, a fluid interface between molecular reality and speculative projection.

A conceptual pulse permeates the exhibition – Lanz’s artistic practice operates between controlled reaction and controlled loss of control. Metallic pigments, thermodynamic processes, oscillating textures: The image supports are not supports in the classical sense, but experimental fields, resonant spaces for an aesthetic of the unknown. Nothing is represented here; something is happening here.

Lanz’s works materialize the paradox of the contemporary – a now that has already been sedimented, a body that is simultaneously subject, medium, and storage unit. The pictorial spaces open up a micro-scenario of dissolution: organic, cybernetic, post-iconic. They are traces of states, not images. Atmospheres, not narratives.

HYPERVOID is neither retrospective nor utopian. It is an attempt to outline an artistic methodology that understands the present as an open system – fragile, fleeting, permeated by forces that elude direct perception. Lanz doesn’t ask questions. He constructs conditions under which questions lose their form – and transform into states.

CAPUT INFERNI – THE TREASURE KEEPER, 2025
Medium: Sculptural artefact (assemblage) with accompanying video
Film: Digital video (MP4, H.264), color, audio (AAC stereo, 44.1 kHz), 26.93 s, 9:16, 30 fps, loop-ready
Native resolution: 720 × 1280 px
Atrefact-Item-ID: RL/O-25-119-1/4
Warranty-ID: H25333

https://robertlanz.com/tsantsa-nova/

ROBERT LANZ SHRINKING HEAD – RL:O-25-119-1-4, –4 — CAPUT INFERNI – THE TREASURE KEEPER
Fragmentary image of object Item-ID: RL/O-25-119-1/4, Warranty-ID: H25333

CAPUT MYSTERII – THE MIRROR
Fragmentary image of object Item-ID: RL/O-25-119-3/4, Warranty-ID: H25331

Robert Lanz, David Wolf, Ellie Schwarz, Lars Plessentin, Joe Kotteck & Pierre Horn navigate border zones between physical presence and digital gesture, between fragment and continuum. Objects and processes dissolve, states remain unstable, newly generated forms resist fixation. Their works are not finished products but transitional stages, thought figures, performative traces of an undefined future.

Transitory States, Unstable Forms

Hypervoid as a Mutable Structure. Not an exhibition. A negotiation.

Welcome to the Fluid Space Between Idea and Matter

Transmedia Processes as Performative Thought Figures
Where the object resists definition

Disruption

HYPERVOID destabilizes habitual modes of perception, turning the exhibition into a site of rupture rather than resolution.

Transience

Art in HYPERVOID exists in states of becoming—always shifting, never fixed, resisting final form.

Co-Awareness

Visitors are not spectators but co-processors—entangled in a feedback loop of reflection, movement, and mutation.

ARTISTS

– Lanz, Wolf, Schwarz, Plessentin, Kotteck: fluid, process-based dialogue. –

Robert Lanz, David Wolf, Ellie Schwarz, Lars Plessentin, Joe Kotteck & Pierre Horn operate at the intersections of visual art, performative research, and digital reflection. Their respective practices navigate between physical presence and virtual gesture, between material experimentation and theoretical conception. In HYPERVOID, they merge their individual approaches into a shared artistic organism that resists any fixed definition—collaborative, process-oriented, and radically open.

giphy — Ellie Schwarz
She choreographs emotion, body, and space—her works become tangible states between intuition and embodiment.

Ellie Schwarz
She choreographs emotion, body, and space—her works become tangible states between intuition and embodiment.

wmremove-transformed — Robert Lanz
With penetrating analytical acuity, he deconstructs universal orders and crafts radical architectures of thought beyond established categories. „DIS/PERSION“ https://robertlanz.com/dis-persion/

Robert Lanz
With penetrating analytical acuity, he deconstructs universal orders and crafts radical architectures of thought beyond established categories. „DIS/PERSION“ https://robertlanz.com/dis-persion/

Design ohne Titel (6) — David Wolf
With analytical precision, he deconstructs universal orders and devises radical architectures of thought beyond existing categories.

David Wolf
With analytical precision, he deconstructs universal orders and devises radical architectures of thought beyond existing categories.

IMG_6501 (1) — Lars Plessentin - Guest
He remixes perception. His works are flickering fragments between analogue sensuality and digital delirium – queer, collaborative, uncompromising. LARS PLESSENTIN | Artist Statement (HYPERVOID.) Aufgewachsen zwischen alten Fotokameras, einer Armada an Familienaufnahmen und in Leder gebundenen chemischen Enzyklopädien aus dem 19. Jahrhundert zur Fotoentwicklung, interessierte sich Lars Plessentin in seiner Jugend für fast alles — außer für Fotografie und Kunst. Stattdessen widmete er sich ebenso wild wie impulsiv dem Malen von Wänden. Doch das Blatt wendet sich ebenso zufällig wie entscheidend im Studium des Produktdesigns: Plessentin belegt einige Fotografie-Seminare — und entdeckt das Medium für sich. Was zunächst als bloße Dokumentation beginnt, wächst im Laufe seiner künstlerischen Entwicklung zum Experimentierfeld für neue Verfahrensformen. Analoge Techniken werden ebenso ausgelotet wie chemische Eingriffe, Materialprozesse oder das Spiel mit Textur, Patina und Oberfläche. In seinen aktuellen Serien sprengt Plessentin das traditionelle Bild im doppeltem Sinne: Er transformiert das Medium von der bloßen Wandfläche hin zum skulpturalen Körper. Die Bilder verlassen die Wand, werden zum räumlichen Objet, zur Installation — ebenso autonom wie fragile Kompositionen im Raum. Dabei greift Plessentin ebenso das Vokabular des Designs, der Trasharchäologie und des Modells auf, um neue Erzählformen für das Sehen aufzuschließen. Plessentins Arbeiten sind vibrierende Bildräume — ebenso lustvoll wie subversiv. Sie bewegen sich zwischen Begehren und Zersetzung, zwischen radikaler Neuordnung des Visuellen, Clublicht und musealer Komposition. Die Objekte, oft ebenso irritierend wie humorvoll, spielen mit Licht, Perspektive und Materialität: Was zunächst als ausgeprägte Plastizität erscheint, flirrt im nächsten Moment; das Statische gerät ins Wanken — das Feste verliert ebenso an Kontur wie das Flache an seiner Eindeutigkeit. So entstehen ebenso hybride wie ebenso herausfordernde Rauminstallationen — an der Schnittstelle von Malerei, Skulptur, Experiment und sarkastischem Kommentar zur Gegenwart. In HYPERVOID eröffnet Plessentin neue Perspektiven für das Verborgene, das Transitorische und das Unvorhergesehene im künstlerischen Raum.

Lars Plessentin - Guest
He remixes perception. His works are flickering fragments between analogue sensuality and digital delirium – queer, collaborative, uncompromising. LARS PLESSENTIN | Artist Statement (HYPERVOID.) Aufgewachsen zwischen alten Fotokameras, einer Armada an Familienaufnahmen und in Leder gebundenen chemischen Enzyklopädien aus dem 19. Jahrhundert zur Fotoentwicklung, interessierte sich Lars Plessentin in seiner Jugend für fast alles — außer für Fotografie und Kunst. Stattdessen widmete er sich ebenso wild wie impulsiv dem Malen von Wänden. Doch das Blatt wendet sich ebenso zufällig wie entscheidend im Studium des Produktdesigns: Plessentin belegt einige Fotografie-Seminare — und entdeckt das Medium für sich. Was zunächst als bloße Dokumentation beginnt, wächst im Laufe seiner künstlerischen Entwicklung zum Experimentierfeld für neue Verfahrensformen. Analoge Techniken werden ebenso ausgelotet wie chemische Eingriffe, Materialprozesse oder das Spiel mit Textur, Patina und Oberfläche. In seinen aktuellen Serien sprengt Plessentin das traditionelle Bild im doppeltem Sinne: Er transformiert das Medium von der bloßen Wandfläche hin zum skulpturalen Körper. Die Bilder verlassen die Wand, werden zum räumlichen Objet, zur Installation — ebenso autonom wie fragile Kompositionen im Raum. Dabei greift Plessentin ebenso das Vokabular des Designs, der Trasharchäologie und des Modells auf, um neue Erzählformen für das Sehen aufzuschließen. Plessentins Arbeiten sind vibrierende Bildräume — ebenso lustvoll wie subversiv. Sie bewegen sich zwischen Begehren und Zersetzung, zwischen radikaler Neuordnung des Visuellen, Clublicht und musealer Komposition. Die Objekte, oft ebenso irritierend wie humorvoll, spielen mit Licht, Perspektive und Materialität: Was zunächst als ausgeprägte Plastizität erscheint, flirrt im nächsten Moment; das Statische gerät ins Wanken — das Feste verliert ebenso an Kontur wie das Flache an seiner Eindeutigkeit. So entstehen ebenso hybride wie ebenso herausfordernde Rauminstallationen — an der Schnittstelle von Malerei, Skulptur, Experiment und sarkastischem Kommentar zur Gegenwart. In HYPERVOID eröffnet Plessentin neue Perspektiven für das Verborgene, das Transitorische und das Unvorhergesehene im künstlerischen Raum.

download (3) — Joe Kotteck - Guest
Joe Kotteck lebt in Berlin und arbeitet skulptural und installativ. Seine künstlerische Praxis bewegt sich an der Schnittstelle von Skulptur, Raum und architektonischem Denken. Ein zentraler Aspekt seiner Arbeit ist die Destruktion – als Methode, um bestehende Ordnungen aufzulösen, räumliche Strukturen zu öffnen und neue Konstellationen herzustellen. Architektur dient dabei nicht nur als Referenz, sondern wird selbst zum Material: als Fragment, als statische Vorgabe oder als Gegenspieler der skulpturalen Intervention. Kottecks Arbeiten greifen gezielt in räumliche Gegebenheiten ein und untersuchen das Verhältnis von Körper, Volumen, Tragfähigkeit und Instabilität. Seine Setzungen thematisieren Prozesse des Zerfalls, der Verschiebung und des Umbaus. Kipppunkte, Ruinen und strukturelle Übergänge werden dabei nicht als Endzustände, sondern als produktive Zustände verstanden. Die eingesetzten Materialien – oft roh, vorgefunden oder industriell – stehen im Spannungsfeld zwischen Last und Geste, Eingriff und Reaktion. In diesem Zusammenspiel wird Raum nicht nur dargestellt, sondern physisch verändert, erweitert oder aus dem Gleichgewicht gebracht.

Joe Kotteck - Guest
Joe Kotteck lebt in Berlin und arbeitet skulptural und installativ. Seine künstlerische Praxis bewegt sich an der Schnittstelle von Skulptur, Raum und architektonischem Denken. Ein zentraler Aspekt seiner Arbeit ist die Destruktion – als Methode, um bestehende Ordnungen aufzulösen, räumliche Strukturen zu öffnen und neue Konstellationen herzustellen. Architektur dient dabei nicht nur als Referenz, sondern wird selbst zum Material: als Fragment, als statische Vorgabe oder als Gegenspieler der skulpturalen Intervention. Kottecks Arbeiten greifen gezielt in räumliche Gegebenheiten ein und untersuchen das Verhältnis von Körper, Volumen, Tragfähigkeit und Instabilität. Seine Setzungen thematisieren Prozesse des Zerfalls, der Verschiebung und des Umbaus. Kipppunkte, Ruinen und strukturelle Übergänge werden dabei nicht als Endzustände, sondern als produktive Zustände verstanden. Die eingesetzten Materialien – oft roh, vorgefunden oder industriell – stehen im Spannungsfeld zwischen Last und Geste, Eingriff und Reaktion. In diesem Zusammenspiel wird Raum nicht nur dargestellt, sondern physisch verändert, erweitert oder aus dem Gleichgewicht gebracht.

8F2AF2C4-7436-4E09-8E81-32CC7222F2B9 — Pierre Horn- Guest
His works are flickering fragments between analogue sensuality and digital delirium – queer, collaborative, uncompromising. Foto: Philipp Bartz.

Pierre Horn- Guest
His works are flickering fragments between analogue sensuality and digital delirium – queer, collaborative, uncompromising. Foto: Philipp Bartz.

„DIS/PERSION“

A work by Robert Lanz, created specifically for the 2025 Open Studio: destroyed, fragmented, transferred into 82 numbered vials – each one a unique original art object with a digital trace.

https://robertlanz.com/dis-persion/